To Art Deco έγινε 100 ετών – Το στυλ που άνθισε, πέθανε και επέστρεψε με δημοπρασίες εκατομμυρίων δολαρίων
Το κίνημα γεννήθηκε κατά τη διάρκεια της πρωτοποριακής Έκθεσης του Παρισιού το 1925 ως μια πολυτελής απάντηση στην επιτυχία του γερμανικού Bauhaus. Εκατό χρόνια αργότερα, οι τιμές του συνεχίζουν να σπάνε ρεκόρ.
Τα καλύτερα ξενοδοχεία του Παρισιού, τα σπίτια των σημερινών διάσημων διακοσμητών εσωτερικών χώρων και οι λίστες αγορών των πιο απαιτητικών συλλεκτών αντικών έχουν όλα ένα κοινό χαρακτηριστικό: την τρέλα για το Art Deco.
Αυτό το πολυτελές γεωμετρικό και αιώνια μοντέρνο στυλ (σκεφτείτε τα επιβλητικά μαύρα λακαριστά παραβάν ή τις ακριβές μπεζ πολυθρόνες) συμπλήρωσε πρόσφατα 100 χρόνια. Και, φυσικά, γεννήθηκε από τις στάχτες του αντίθετου στυλ.
Στη δεκαετία του 1920, η Γαλλία έβλεπε με ανησυχία τις περίτεχνες καρέκλες και λάμπες Art Nouveau. Μέχρι πρόσφατα θαυμάζονταν στα πιο κομψά σαλόνια της χώρας, αλλά είχαν γίνει απόδειξη μιας εθνικής αποτυχίας.
Ενώ οι κυβιστικές ζωγραφιές του Πικάσο και του Μπρακ, τα ευθύγραμμα φορέματα της Chanel και τα δοκίμια του Αντρέ Μπρετόν διατηρούσαν τους Γάλλους στην κορυφή της πρωτοπορίας, τα μοντέρνα έπιπλα και κτίρια είχαν μείνει πολύ πίσω από αυτά άλλων χωρών, συγκεκριμένα της Γερμανίας, η οποία βρισκόταν υπό την επίδραση της προσέγγισης του Bauhaus στο σχεδιασμό.
Ο Lucien Dior — θείος του διάσημου σχεδιαστή μόδας και τότε υπουργός Εμπορίου και Βιομηχανίας — έλαβε το θέμα πολύ σοβαρά. Μίλησε για την επείγουσα ανάγκη να επικρατήσει (για άλλη μια φορά) η γαλλική αισθητική στον κόσμο του σχεδιασμού.
Μετά από επίπονες διαπραγματεύσεις, εξασφάλισε από τον δήμο του Παρισιού αρκετά εκτάρια στο κέντρο της πόλης. Αυτή η έκταση ήταν ακριβώς αρκετή για να φιλοξενήσει τη μητέρα όλων των εκθέσεων εφαρμοσμένων τεχνών. Από τότε και στο εξής, ο κόσμος θα χρειαζόταν και πάλι τον γαλλικό ήχο «λλ» για να περιγράψει τα πιο εκλεπτυσμένα εσωτερικά.
«Ένας από τους παράγοντες που προκάλεσαν τη ζήλια της Γαλλίας ήταν η πρόσκληση που απευθύνθηκε στους Γερμανούς του Werkbund [της ομάδας σχεδιασμού που ήταν πρόδρομος του Bauhaus] στο Salon d’Automne που πραγματοποιήθηκε στο Παρίσι το 1910», εξηγεί η Anne Monier Vanryb.
Είναι επιμελήτρια του Musée des Arts Décoratifs (Μουσείο Διακοσμητικών Τεχνών) στο Παρίσι. «Οι Γάλλοι ένιωσαν ότι απειλούνται από τα έπιπλα των Γερμανών που ζήτησαν να διοργανώσουν τη δική τους έκθεση, για να τους βοηθήσει να κερδίσουν την εμπορική και πολιτιστική μάχη. Η έκθεση επρόκειτο να πραγματοποιηθεί το 1915… αλλά τότε ξέσπασε ο πρώτος παγκόσμιος πόλεμος».
Ο Lucien Dior — θείος του διάσημου σχεδιαστή μόδας και τότε υπουργός Εμπορίου και Βιομηχανίας — έλαβε το θέμα πολύ σοβαρά. Μίλησε για την επείγουσα ανάγκη να επικρατήσει (για άλλη μια φορά) η γαλλική αισθητική στον κόσμο του σχεδιασμού
Δεν το κατάλαβαν όλοι
Η Διεθνής Έκθεση Διακοσμητικών Τεχνών και Σύγχρονων Βιομηχανιών (Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industries Modernes), που θεωρείται η γενέτειρα του Art Deco, άνοιξε τις πόρτες της στις 25 Απριλίου 1925.
Και, κατά τη διάρκεια των επόμενων έξι μηνών, προσέλκυσε περίπου 16 εκατομμύρια επισκέπτες στα 15.000 περίπτερα που η Γαλλία, η Ισπανία, η Ιαπωνία, η Αυστρία, το Ηνωμένο Βασίλειο, η Κίνα και οι υπόλοιπες προσκεκλημένες χώρες (οι Γερμανοί σχεδιαστές δεν προσκλήθηκαν αυτή τη φορά) έστησαν κατά μήκος των δύο όχθων του Σηκουάνα, στην περιοχή μεταξύ του Grand Palais και της Esplanade des Invalides.
Σύμφωνα με τους κανόνες, οι συμμετέχοντες έπρεπε να περιοριστούν στην παρουσίαση σχεδίων που ήταν πρωτότυπα και αντανακλούσαν σαφείς σύγχρονες τάσεις. Δεν το κατάλαβαν όλοι με τον ίδιο τρόπο: ορισμένοι Βρετανοί επισκέπτες περιέγραψαν το περίπτερο της Ιταλίας του Μουσολίνι ως «ένα μνημειώδες φρικτό δείγμα αναλφάβητου κλασικισμού με μαρμάρινες κολόνες και επιχρυσωμένα τούβλα που θα ντρόπιαζαν τον Καλιγούλα».
Ωστόσο, η ιδέα των διοργανωτών για τον μοντερνισμό ήταν σαφής ακόμη και πριν την είσοδο στον χώρο: σχεδιασμένο από τον Louis-Hippolyte Boileau, ένα τεράστιο πανό κρεμόταν από την Porte d’Orsay (την πιο επιβλητική από τις 12 πύλες που είχαν ανατεθεί) στο οποίο τα κεραμικά, τα γλυπτά, η αρχιτεκτονική και τα έπιπλα απεικονίζονταν με τις τεντωμένες και κομψές γραμμές που ήταν τόσο χαρακτηριστικές αυτού που — πολλά χρόνια αργότερα — θα ονομαζόταν «στυλ Art Deco».
Αυστηρά μιλώντας, δεν ήταν ένα νέο στυλ. Πριν από τον Α’ Παγκόσμιο Πόλεμο, πολλοί τεχνίτες είχαν ήδη μεταφέρει στα έργα τους τις ίδιες γωνιώδεις μορφές με τις οποίες οι κυβιστές είχαν φέρει επανάσταση στη ζωγραφική.
Αντλούσαν έμπνευση από αφρικανικές μάσκες ή κινεζικά και ιαπωνικά χειροτεχνήματα, κάμπτοντας τις κυματιστές καμπύλες του Art Nouveau. Ωστόσο, η Έκθεση του Παρισιού του 1925 πρόσθεσε ένα πολύ σημαντικό συστατικό σε όλα αυτά τα έργα: μια επίφαση γοητείας, χωρίς την οποία το Deco δεν θα ήταν το ίδιο.
Χάρη σε αυτή την κομψότητα, για πολλά χρόνια παρέμεινε το προτιμώμενο στυλ των υπερωκεάνιων, των πολυτελών ξενοδοχείων και των ταινιών του Χόλιγουντ.
Η τοποθεσία της έκθεσης — δίπλα σε μερικές από τις ομορφότερες θέες του Παρισιού — ήταν πολύ βοηθητική. Και, πάνω απ’ όλα, δημιουργήθηκε μια στενή σχέση μεταξύ του κόσμου του σχεδιασμού και της μόδας.
Αυτό συνέβη χάρη στη συμμετοχή πολυτελών πολυκαταστημάτων, όπως το Le Bon Marché και το Galéries Lafayette — και τα δύο παρόντα στην έκθεση με δικά τους περίπτερα — και του Paul Poiret, του μεγάλου Γάλλου σχεδιαστή μόδας, ο οποίος ναύλωσε τρεις φορτηγίδες στον Σηκουάνα, διακοσμημένες σε στυλ Art Deco, για να παρουσιάσει τα φορέματά του και τα αρώματά του.
Ήταν, για να το θέσουμε ήπια, σαν η Chanel, η Hermés και ο Jonathan Anderson να είχαν συμφωνήσει να υποστηρίξουν ένα συγκεκριμένο διακοσμητικό στυλ: μόνο οι πιο εκλεπτυσμένες επιλογές ήταν αποδεκτές.
Πορσελάνη Rapin, λακαρισμένα πάνελ (με τα οποία ο Jean Dunand μετέτρεψε το περίπτερο της Γαλλικής Πρεσβείας σε ένα δάσος από γεωμετρικούς φοίνικες), χαλιά του Jean Lurçat με κυβιστικά σχέδια, το γιγαντιαίο σιντριβάνι του René Lalique που φωτιζόταν τη νύχτα στην Esplanade de Invalides… και το πιο φημισμένο περίπτερο από όλα, το Hôtel d’un Collectionneur.
Αυτή η έπαυλη — σχεδιασμένη από τον Pierre Patou για έναν φανταστικό συλλέκτη — εξέθετε τα έπιπλα του Émile-Jacques Ruhlmann, του επιπλοποιού στον οποίο η σύγχρονη Γαλλία βρήκε τελικά έναν Jean-Henri Riesener (τον αγαπημένο του Λουδοβίκου XVI και της Μαρίας Αντουανέτας) για τον νέο αιώνα.
Αυστηρά μιλώντας, δεν ήταν ένα νέο στυλ. Πριν από τον Α’ Παγκόσμιο Πόλεμο, πολλοί τεχνίτες είχαν ήδη μεταφέρει στα έργα τους τις ίδιες γωνιώδεις μορφές με τις οποίες οι κυβιστές είχαν φέρει επανάσταση στη ζωγραφική
Φυσικά, τα κύρια αξιοθέατα ήταν τα περίπτερα και οι εκθέτες των Γάλλων σχεδιαστών, που βρίσκονταν σε στρατηγικές θέσεις με την πιο εντυπωσιακή θέα και υπερέβαιναν σε αριθμό τους ξένους σχεδιαστές. Μετά το κλείσιμο της έκθεσης τον Οκτώβριο του 1925, δεν έγιναν διακρίσεις και όλα κατεδαφίστηκαν… αλλά, όπως ήλπιζε ο θείος του Christian Dior, ο στόχος της αποκατάστασης της γαλλικής αισθητικής στην πρώτη γραμμή επιτεύχθηκε.
Τα επόμενα χρόνια, διεθνείς εκθέσεις — όπως η Παγκόσμια Έκθεση του Σικάγου το 1933 — χρησιμοποίησαν την Έκθεση του Παρισιού ως πρότυπο. Αυτό — μαζί με την κατασκευή κτιρίων Art Deco στις γαλλικές αποικίες και προτεκτοράτα, όπως αυτά στην Καζαμπλάνκα και το Ανόι, ή σε χώρες όπως οι Ηνωμένες Πολιτείες, που είχαν στείλει αντιπροσωπείες για να επισκεφθούν την έκθεση — οδήγησε στη διάδοση του στυλ σε κάθε γωνιά του πλανήτη.
Το Art Deco έφτασε στην Τυνησία, τη Νέα Υόρκη, την Καλκούτα και, ιδιαίτερα, στη Σαγκάη, «το Παρίσι της Ανατολής». Σε αυτή τη μεγαλούπολη, μόλις πριν από λίγους μήνες, η Cartier χρηματοδότησε μια έκθεση για την επίδραση της παραδοσιακής κινεζικής χειροτεχνίας στο Art Deco, το οποίο, με τη σειρά του, επηρέασε πολλούς Κινέζους σχεδιαστές.
Όπως συμβαίνει συχνά, η τεράστια δημοτικότητα του Art Deco σηματοδότησε και την παρακμή του. Έφτασε σε σημείο που ακόμη και απομακρυσμένα χωριά είχαν κινηματογραφικές αίθουσες διακοσμημένες σε αυτό το στυλ.
Ωστόσο, τα πιο εκλεπτυσμένα κομμάτια διατήρησαν τη λάμψη που είχαν αποκτήσει στο Παρίσι. Μισό αιώνα μετά την έκθεση, τα έπιπλα που εκτέθηκαν το 1925 προκάλεσαν το ενδιαφέρον μιας νέας γενιάς συλλεκτών: από τον Andy Warhol — ο οποίος διηύθυνε την επιχείρησή του Factory σε ένα τραπέζι Ruhlmann — έως τον Karl Lagerfeld, ιδιοκτήτη πολλών αγγείων Dunand, μεταξύ πολλών άλλων αντικειμένων.
Ο Γερμανός σχεδιαστής άρχισε να συλλέγει αντικείμενα Art Deco στις αρχές της δεκαετίας του 1970, γινόμενος ένας από τους πρώτους που επανέφεραν το στυλ στη μόδα.
Πορσελάνη Rapin, λακαρισμένα πάνελ (με τα οποία ο Jean Dunand μετέτρεψε το περίπτερο της Γαλλικής Πρεσβείας σε ένα δάσος από γεωμετρικούς φοίνικες), χαλιά του Jean Lurçat με κυβιστικά σχέδια, το γιγαντιαίο σιντριβάνι του René Lalique που φωτιζόταν τη νύχτα στην Esplanade de Invalides… και το πιο φημισμένο περίπτερο από όλα, το Hôtel d’un Collectionneur
«Από την άνθηση της δεκαετίας του 1970 και του 1980, το Art Deco δεν έχει αντίπαλο στην αγορά του design», εξηγεί η Adriana Berenson, διευθύντρια της DeLorenzo Gallery στη Νέα Υόρκη.
Από την ίδρυσή της το 1981, η γκαλερί συνεχίζει να σπάει τα ρεκόρ πωλήσεων. Για παράδειγμα, πούλησε αυτό που θεωρείται ένας από τους μεγαλύτερους θησαυρούς Art Deco: το μπουφέ Ruhlmann με ένα γάιδαρο και έναν σκαντζόχοιρο. Σχεδιασμένο με ασημένια ένθετα, κοσμούσε την μεγάλη αίθουσα του Hôtel d’un Collectionneur.
«Τα έργα από την Έκθεση του 1925 είναι τα πιο περιζήτητα και δύσκολα να βρεθούν», σημειώνει η Berenson. «Ένα από τα λίγα που έχουν εμφανιστεί πρόσφατα στην αγορά είναι ένα λακαριστό παραβάν του Dunand με ζωικές φιγούρες. Η γκαλερί μου το έθεσε προς πώληση πριν από μερικές εβδομάδες, αλλά όλοι θα μπορούν να το δουν στην έκθεση για τον εορτασμό της εκατονταετίας της Έκθεσης του 1925, η οποία θα ανοίξει το επόμενο φθινόπωρο στο Musée des Arts Décoratifs στο Παρίσι».
Παρά την τεράστια επιτυχία της, η Έκθεση του Παρισιού του 1925 δέχτηκε και κριτική. Γάλλοι αρχιτέκτονες — όπως ο Auguste Perret — διαμαρτυρήθηκαν για την πολυτελή προσέγγιση του σχεδιασμού που προτίμησαν οι διοργανωτές, εκφράζοντας τη λύπη τους για το γεγονός ότι, αντί να εκμεταλλευτεί την ευκαιρία να ευθυγραμμιστεί με το γερμανικό κίνημα Bauhaus και να προωθήσει μια μορφή μοντερνισμού που θα ήταν χρήσιμη για όλους, η Γαλλία προτίμησε να επανασχεδιάσει τις Βερσαλλίες.
Ο Perret ενοχλήθηκε ιδιαίτερα από τον τίτλο: «Θα ήθελα να μάθω ποιος ήταν ο πρώτος που ένωσε αυτές τις δύο λέξεις: “τέχνη” και “διακοσμητική”. Είναι μια τερατωδία. Όπου υπάρχει αληθινή τέχνη, δεν υπάρχει ανάγκη για διακόσμηση», δήλωσε αυτός ο πρωτοπόρος του οπλισμένου σκυροδέματος.
Ωστόσο, ούτε καν το βέτο κατά της Γερμανίας εμπόδισε ιδέες όπως αυτές που διδάσκονταν στο Bauhaus να εισέλθουν στον εκθεσιακό χώρο. Το σοβιετικό περίπτερο, για παράδειγμα, σχεδιάστηκε «ως ένα είδος χαστούκι από τη νεαρή προλεταριακή δημοκρατία ενάντια στην πολυτέλεια που το περιβάλλει».
Αυτό σύμφωνα με ένα άρθρο περιοδικού που δημοσιεύθηκε την εποχή εκείνη, το οποίο το περιέγραφε ως «ξύλινο κτίριο βαμμένο σε ουδέτερο χρώμα». Ο δημιουργός του, ο Κωνσταντίν Μελνίκοφ, απέφυγε κάθε διακόσμηση ή ιστορικές αναφορές: απλώς πειραματίστηκε με επίπεδα και όγκο.
Μεταξύ των γαλλικών κτιρίων, ξεχώριζε το περίπτερο τουριστικών πληροφοριών του Robert Mallet-Stevens: ένα κτίριο γεμάτο τεχνολογικές καινοτομίες, το οποίο θεωρήθηκε επίσης πρόδρομος του απλοποιημένου Art Deco, γνωστού ως Streamline Moderne. Ήταν μια περίοδος της δεκαετίας του 1930, κατά την οποία τα κτίρια κατασκευάζονταν σε αεροδυναμικό στυλ, δίνοντας την εντύπωση της κομψότητας και της μοντέρνας αισθητικής.
«Στην Έκθεση του 1925», εξηγεί η επιμελήτρια Anne Monier Vanryb, «δεν είδαμε έναν μοντερνισμό τόσο ριζοσπαστικό όσο αυτός του Bauhaus… αλλά το επόμενο βήμα ήταν ήδη εκεί. Τέσσερα χρόνια αργότερα, ο Mallet-Stevens και άλλες μεγάλες προσωπικότητες του Art Deco που συμμετείχαν στην έκθεση ίδρυσαν την Union des Artistes Modernes, αναζητώντας έναν μοντερνισμό που θα μπορούσε να εφαρμοστεί στην καθημερινή ζωή».
Στην ομάδα αυτή προσχώρησαν σημαντικές προσωπικότητες του μοντέρνου σχεδιασμού, όπως ο Jean Prouvé και η Eileen Gray. Ένα άλλο μέλος ήταν ο δημιουργός ενός από τα «διαφωνούντα» έργα της Έκθεσης του Παρισιού: το περίπτερο L’Esprit Nouveau (το περίπτερο του «Νέου Πνεύματος»).
Ήταν τόσο διαφορετικό από το επικρατέστερο διακοσμητικό στυλ που οι διοργανωτές διέταξαν να στηθεί ένας φράκτης για να το κρύψει. Ο σχεδιαστής του προσέφυγε στη γαλλική κυβέρνηση και κατάφερε να γκρεμιστεί ο φράχτης, απελευθερώνοντας αυτό το παράξενο λευκό κουτί.
Τα τραπέζια — με σωληνωτά ατσάλινα πόδια — και άλλα μαζικά παραγόμενα κομμάτια που διακοσμούσαν το εσωτερικό είχαν πιο μετριοπαθή εμφάνιση από τα σχέδια του Ruhlmann… αν και θα κόστιζαν μια περιουσία ακόμα και σήμερα. Όπως και το περίπτερο, ήταν έργο του Le Corbusier.
Ο καθηλωτικός μονόλογος του Ανδρέα Φλουράκη «ΤΑΠ ΑΟΥΤ» ανεβαίνει στο ανανεωμένο Μικρό Γκλόρια. Το κείμενο ζωντανεύει στη σκηνή με τον Τάσο Κορκό στην ερμηνεία, ενώ τη σκηνοθετική επιμέλεια υπογράφει ο Θανάσης Ισιδώρου.
![Άκρως Ζωδιακό: Τα Do’s και Don’ts στα ζώδια σήμερα [Τετάρτη 07.01.2026]](https://www.in.gr/wp-content/uploads/2026/01/diego-ph-ERDe79VhS1o-unsplash-315x220.jpg)
Αριθμός Πιστοποίησης Μ.Η.Τ.232442
